Prepare yourself for the trip!
Valentina Magaletti (Raime, UUUU, Shit&Shine) and Tom Relleen (The Osciallation) aka. the psych-dub duo TOMAGA will hit the stage at UT Connewitz tonight, 9pm, to perform their live score to Kenneth Anger’s occult classic LUCIFER RISING – and, especially for GEGENkino 2018, they also developed a score to the EARLY ABSTRACTIONS of Anger’s fellow abstractionist filmmaker Harry Smith, which they will lay down tonight as well! Moreover, the evening will be opened by the maze-like MESHES OF THE AFTERNOON by Maya Deren and Alexander Hammid.
All films tonight will be shown on glorious 16mm! (Thanks to Arsenal for the copies and thanks already to tonight’s projectionist Dennis Vetter.)
| Mi 11. April 2018 UT Connewitz | LIVE SCORE |
| 21 Uhr | Vorfilm MESHES OF THE AFTERNOON (USA 1943) R: Maya Deren & Alexander Hammid 14’ |
| TOMAGA (UK) add live scores to: LUCIFER RISING (USA/UK 1970-80) R: Kenneth Anger 28’ & EARLY ABSTRACTIONS (USA 1939-56) R: Harry Smith 23’ |
Tomaga (UK) vertonen LUCIFER RISING & EARLY ABSTRACTIONS
USA/UK 1970-80 R: Kenneth Anger, 28’, 16mm
D: Kenneth Anger, Marianne Faithful, Bobby Beausoleil
USA 1939-56 R: Harry Smith, 23’, 16mm
Als subversive Hohepriester des New Age-Cinemas und als glühende Verehrer des Okkultisten und selbst ernannten Antichristen Aleister Crowley nehmen Kenneth Anger und Harry Smith mit je eigenen Ästhetiken Esoterik, archaische Symbole und kaum dekodierbare Mythologien in den Blick. Thematisch bezieht sich Anger auf die charismatische Figur des Luzifer, den strahlendsten Engel im Himmel, der nach einem Aufstand gegen Gott verbannt und forthin zu einem Rebellen gegen die etablierte Ordnung avanciert. In Bildern von Schöpfung und Zerstörung, von Göttern und Naturgewalten verwebt Anger den christlichen Mythos mit historischen, popkulturellen und persönlichen Strängen. In Smiths teilweise handgemalten Animationen wuchern scheinbar unkontrolliert Farben und Formen: einerseits körnige, grobe Strukturen und Mikroorganismen, andererseits modernistisch anmutende Designelemente sowie Splitter kurzer Erzählungen. Mit Bass, Synthesizern (Tom Relleen) und Schlagwerk (Valentina Magaletti) wird Tomaga die beiden Klassiker des Experimentalfilms live mit einem Soundtrack versehen. Das Londoner Duo kanalisiert Multiinstrumentalismen in lose Strukturen, die Industrial, Psychedelia, Jazz und Minimalismus durchlaufen. Der musikalischen Erkundung verpflichtet lösen sie bekannte Tropen zugunsten neuer Gestaltung auf, erzeugen Spannungen zwischen Improvisation und Form. Das Ergebnis ist mal zurückhaltende Geräuschmusik, mal manisch tanzbar.
Vorfilm
MESHES OF THE AFTERNOON
USA 1943 R: Maya Deren & Alexander Hammid, D: Maya Deren & Alexander Hammid, 14’, 16mm
Ausgehend vom Tatsächlichen bewegt sich MESHES OF THE AFTERNOON Schritt für Schritt in Richtung eines unplausiblen Universums. Die Hand der Protagonistin platziert erst eine Blume, dann entschwindet der Film mit ihr in eine verzerrte Traumwelt, in der sich Doppelgängerinnen begegnen, Kapuzengestalten aus Spiegelgesichtern blicken und Ordnungen auseinanderfallen. Die Zeit bewegt sich vor- und rückwärts, spart aus, beschleunigt. Am Ende blitzt ein Messer, ein Spiegel bricht und die Wellen des Atlantiks spülen die Scherben ins Meer.
Hey peeps! Today marks the start of our “HOW TO RESIST ON SCREEN” programme section, in which we’ll deal with cinema and film as resistant media, as vehicles of protest and of political engagement.
We’ll start off at 8pm at UT Connewitz with an almost forgotten classic of “protest cinema”: Haskell Wexler’s 1969 film MEDIUM COOL, which shows and comments on several street protests in Chicago in 1968 and in doing so interrogates the medium of film camera and its role in processes of political transformation. We’re very happy to have film curator, historician and journalist Ralph Eue coming to the screening to introduce the film.
At 10pm we’ll see a film that raises quite similar issues as MEDIUM COOL did, but on a more personal level: Kirsten Johnson’s CAMERAPERSON is an arrangement of material Johnson collected during her work as a camera person for Laura Poitras, Michael Moore, Kirby Dick and others becoming an essay on the relations between subject, camera and object.
| Do 10. April 2018 UT Connewitz | HOW TO RESIST… |
| 20 Uhr | MEDIUM COOL (USA 1969) R: Haskell Wexler 111’ English OV |
| 22 Uhr | CAMERAPERSON (USA 2016) R: Kirsten Johnson 103’ OV mit englischen Untertiteln |
Einführung von Ralph Eue
MEDIUM COOL
USA 1969, 111’, OmeU, DCP, Director: Haskell Wexler
with: Robert Forster, Verna Bloom, Peter Bonerz
In Chicago wird 1968 nicht nur gegen den Vietnamkrieg demonstriert, sondern auch gegen sexuelle Diskriminierung und Rassenhass. Während des Wahlkonvents der Demokraten versucht die Polizei diese Proteste mit äußerster Härte zu unterbinden. “The whole world is watching” rufen die Demonstranten, als sie sich der Macht der anwesenden Kameras bewusst werden. Die politischen Unruhen sind der Hintergrund für das Regiedebüt des bis dahin als Kameramann arbeitenden Haskell Wexler, in dem er Fact und Fiction auf bis dahin noch nicht gekannte Weise miteinander verwebt – und zwar die Geschichte rund um den Fernsehkameramann John Cassellis und die gewaltsamen Ereignisse auf der Straße. Neben der medienpolitischen Frage nach der Wirkmacht der Kamera zu einem Zeitpunkt, als die Handylinse noch keine (unsichere) Möglichkeit bot, seine Rechte gegenüber staatlicher Gewalt zu schützen, verhandelt MEDIUM COOL auch berufsethische Fragen des Bilderherstellens: Anfänglich liefert John seinem Sender reißerische Aufnahmen von Unfällen, Katastrophen und den Ausschreitungen während der Demonstrationen. Als er erfährt, dass die Senderbosse dem FBI Material zuspielen, um Dissidenten ausfindig zu machen, gerät er an seine moralischen Grenzen.
Einführung: Ralph Eue arbeitet als Filmkurator, u.a. bei DOK Leipzig, Publizist, Filmhistoriker und Fernsehjournalist.
Hier ist ein interessantes Interview mit Waxler für das VICE Magazin über diesen Film:
CAMERAPERSON
USA 2016, 103’, Dok, OmeU, DCP
Regie: Kirsten Johnson
Danach, was es heißt, jemanden zu filmen, was dabei mit den Menschen vor und hinter der Kamera passiert, fragt auch Kirsten Johnson. Sie reist seit 25 Jahren als “Cameraperson” durch die Welt und dreht unter schwierigsten Bedingungen für renommierte DokumentarfilmemacherInnen wie Laura Poitras, Michael Moore und Kirby Dick. In ihren filmischen Memoiren blickt sie nun auf diverse Projekte zurück und schildert persönliche Erfahrungen. Eine nigerianische Hebamme versorgt ein Neugeborenes mit Sauerstoff, ein afghanisches Mädchen marschiert entschlossen zu seiner Schule in Kabul, eine junge Frau aus Alabama im Gespräch während einer Abtreibungsberatung. Diese und andere Szenen werden collageartig montiert – zumeist aus dem Rohmaterial bedeutender Dokumentarfilme der letzten beiden Jahrzehnte, zu denen Johnson die Bilder lieferte, darunter CITIZENFOUR (2014), THE OATH (2010) – über zwei Schwäger aus dem engen Umfeld Osama bin Ladens – und PRAY THE DEVIL BACK TO HELL (2007), in dem die Aktionen einer feministischen Friedensbewegung in Liberia geschildert werden. Im Zentrum von Johnsons Betrachtung steht dann immer wieder die Beziehung zwischen BildermacherInnen und ihren Subjekten und der Zusammenhang zwischen vorgefundener Realität und gestalteter Erzählung.
Hope you all enjoyed our homage to the Harvard Sensory Ethnography Lab! Today we’ll head over to UT Connewitz again and continue with two début feature films that impressed us very much, when we stumbled upon it back then:
At 8pm there’ll be the Leipzig premiere of teenage drama SARAH JOUE UN LOUP-GAROU and we’re happy to have director Katharina Wyss coming to the screening to present her film and offer a Q&A.
And at 10pm we’ll show TESNOTA by Alexander Sokurov’s student Kantemir Balagov about a Jewish-Russian community during the dawn of the Second Chechen War. Unfortunately, Balagov can’t make it to the screening today, but still it’s very much worth it to come and watch. Read more about the films below.
| Mo 09. April 2018 UT Connewitz | |
| 20 Uhr | Sarah Joue Un Loup-Garou (D/CH 2017) R: Katharina Wyss 86’ OV mit englischen Untertiteln |
| 22 Uhr | Tesnota / Closeness (RUS 2017) R: Kantemir Balagov 118’ OV mit englischen Untertiteln |
In Anwesenheit von Katharina Wyss
SARAH JOUE UN LOUP-GAROU
CH, D 2017, 86’, OmeU, DCP, Regie: Katharina Wyss, mit: Loane Balthasar, Michel Voïta, Manuela Biedermann
Mit dem Ende der Pubertät ist es eigentlich schon vorbei und alles ist entschieden: Die intensivsten Erfahrungen sind gemacht und das Leben jetzt ist nur obligatorisches Nachspiel und Abspann. Der Entdeckung des eigenen Willens folgt ein sich Sich-Abfinden mit den Bahnen, in die das Leben – zufällig oder gewollt – geronnen ist. Beziehungen zu anderen Menschen bilden und erhalten sich nur noch gemäß schon bekannter Strukturen. Zwar stellt die Kunst in diesem Leben noch einen Ort für höhere Gefühle und Erlebnisse dar, aber bleibt vom eigenen Leben, wie man sich eingestehen muss, immer entkoppelt. – Ein solches Endzeit-Szenario zeichnet Katharina Wyss in ihrem Début-Spielfilm SARAH JOUE UN LOUP-GAROU (englischer Titel: “Sarah plays a Werwolf”). Wyss’ Film ist eine Sonde in das Leben einer siebzehnjährigen Schülerin in einer Schweizer Kleinstadt. In Nahaufnahmen wie auch Distanzaufnahmen erkundet sie die sich gegenseitig potenzierenden Entfremdungs- und Fremdwerdungsprozesse der Theater-Elevin Sarah (Loane Balthasar) – den zunehmenden Abstand zu ihren Eltern und Geschwistern, die Diffusität sexueller Regungen, ihren jugendlichen Solipsismus. Während Sarah nach ihren eigenen Begehren sucht, entfernt sie sich zu fast allem anderen außer ihr. Doch in einigen Bildern scheinen dann auch Auswege auf aus den Verstrickungen und der Unaufhaltsamkeit des Heranwachsens und Sarah scheint grade dort Wege zu finden mit diesen Prozessen umzugehen, wo sie nicht mehr Sarah sein muss. Ein GEGEN-coming-of-age-Film.
Im Anschluss wird es ein Gespräch mit der Regisseurin des Films, Katharina Wyss, geben.
TESNOTA / CLOSENESS
RU 2017, 118’, OmeU, DCP, Regie. Kantemir Balagov, mit: Darya Zhovner, Olga Dragunova, Artem Tsypin, Nazir Zhukov
1998, Naltschik im Nordkaukasus. Die burschikose 24-jährige Ilana hilft in der Autowerkstatt ihres Vaters aus. Sie verweigert die Rolle der guten Tochter, wie sie sich ihre Eltern wünschen. Ihren Status als Außenseiterin untermauert zusätzlich, dass sie einen kabardischen Freund hat, der nicht Teil der jüdischen Community ist, in der sich ihre Familie bewegt. Kurz nach der Hochzeit ihres Bruders wird das junge Brautpaar entführt. Zu dieser Zeit dort kein Einzelfall laut der Aussage des Regisseurs Balakov. Er ist in Naltschik aufgewachsen, hat dann bei Aleksandr Sokurov studiert, der diesen beeindruckenden Debütfilm auch mitproduziert hat. Das Drehbuch basiert auf eigenen Erfahrungen und zusammengetragenen Geschichten aus der Region. TESNOTA (engl. Titel: Closeness) untersucht Gemeinschafts- und Familiendynamiken, legt in seiner physischen Erzählweise Wunden offen, alles immer in wundervollen blau und gelb leuchtenden Bildern. Der stilisierte Realismus des Film, in dem gleich außerhalb des aktuellen Frames immer schon die nächste Thematik wartet, wird kontinuierlich weiter getrieben von der Frage: wieviel sind Menschen bereit sich aufzuopfern, um ihnen nahestehende Personen zu retten?
Dear friends of GEGENkino, today’s already the last day of our homage to the Harvard Sensory Ethnography Lab. Big thanks to everyone that same and has been involved so far! To close our homage we have this very special feature today at Luru Kino: at 6pm you’ll get the chance to hear two sound works of Ernst Karel. Sonic cinema! (If you need some context, here’s an interesting interview with Karel at Pitchfork.)
At 8pm, we’ll have a screening of the film CANIBA by Véréna Paravel and Lucien Castaing-Taylor that has been screening at documenta 14 last year as “Commensal“ as some of you might remember. There’ll be a discussion about the filmafter the screening as it’s quite hard to chew on. Read more about it below.
| So 08. April 2018 Luru Kino | HOMMAGE: Sensory Ethnography Lab |
| 18 Uhr | Sound Works – Ernst Karel MORNING AND OTHER TIMES USA 2014, R: Ernst Karel, Audio, 30’ SWISS MOUNTAIN TRANSPORT SYSTEMS, RADIO EDIT USA 2011, R: Ernst Karel, Audio, 55’ |
| 20 Uhr | CANIBA (F 2017) OV w/ English subtitles D: Véréna Paravel & Lucien Castaing-Taylor 90’ |
SOUND WORKS – Ernst Karel
MORNING AND OTHER TIMES
USA 2014, R: Ernst Karel, Audio, 30’
SWISS MOUNTAIN TRANSPORT SYSTEMS, RADIO EDIT
USA 2011, R: Ernst Karel, Audio, 55’
Der filmische Kosmos des SEL zielt mit seinen visuell-sensitiven, Haptik und Körperwahrnehmung betonenden Dokumentarweisen darauf ab, die Möglichkeiten wissenschaftlicher wie ästhetischer Annäherung an kulturelle und ethnographische Phänomene zu erweitern, mitunter neue Sichtweisen auf die uns umgebende Objektwelt zu ermöglichen. Doch auch im Ausschluss dieser sichtbaren Erfahrung gehen die Arbeiten ungewohnte Wege: Auf rein auditiver Ebene erkundet Ernst Karel, Tonspezialist zahlreicher SEL-Filme, in seinen eigenständigen Sound-Experimenten mehrschichtige Klanglandschaften. Das Ergebnis sind gesellschaftsbewusste wie ästhetische Gebilde: Changierend zwischen sachlicher Fixierung des sozialen Charakters der porträtierten Orte und künstlerischer Komposition, die rätselhaft für sich steht. Über einen mehrwöchigen Zeitraum hinweg sammelte Karel für MORNING AND OTHER TIMES klangliche Eindrücke in Chiang Mai, Thailand. Ein Kaleidoskop natürlicher und städtischer, tierischer und menschlicher Geräuschkulissen: Hundebellen, Hahnenkrähen und Grillenzirpen auf der einen Seite, unverständlich bleibende Dialogfetzen, Motorengeratter und hymnenartige Gesänge auf der anderen. Dann, die eigenartige Poesie des mechanischen Rhythmus: In SWISS MOUNTAIN TRANSPORT SYSTEM bildet die schweizerische Alpenlandschaft den Hintergrund, vor dem sich Seilbahn- und Sessellift-Fahrten klanglich mit der vorbeiziehenden, flüchtig erfahrbaren Umwelt verzahnen. Auch hier wieder ein Ineinander von Mensch und Natur, technischer Reproduktion und autonomem Kunstwerk.
CANIBA
F 2017 DOK, R: Véréna Paravel & Lucien Castaing-Taylor, 90’, DCP, OmeU
CANIBA hat das GEGENkino-Team gespalten, sowohl mit der Darstellung des Inhalts als auch mit der Art der Ankündigung solch eines Inhalts – deswegen zwei sich ergänzende Texte und eine Diskussion nach dem Screening.
I
Ein Porträt der Nähe und Unnahbarkeit: Die Kamera fokussiert das Gesicht eines Mannes, tastend registriert sie jede Pore seiner verletzlich anmutenden Haut. Dann verliert sie wieder ihren Fokus, gleitet in Unschärfe ab. Der schemenhafte Hintergrund tritt nach vorn, das Gesicht hingegen zerrinnt zur unbestimmbar diffusen Masse – so wie es, wir werden es im lange währenden Interview erfahren, im Inneren dieses Menschen seine Entsprechung findet. Seine dumpfen Gedanken sind dominiert von Körperlichkeit und der Sehnsucht nach dieser. Auf eine Weise allerdings, die ihn von der Gesellschaft ausschließen muss. Issei Sagawa beging in den 1980er-Jahren in Paris einen Mord an einer Kommilitonin, die er anschließend, seinen kannibalistischen Sexualtrieb erstmals in die Tat umsetzend, in Teilen aß. Später wurde er in sein Heimatland Japan überstellt, wo seither sein Bruder mit ihm abseits der Außenwelt ein kärgliches Haus bewohnt. Jun Sagawa, bei dem ebenfalls körperliche Gewalt mit Lustgewinn einhergeht, scheint die einzige Person zu sein, die ihm zuhört und im Alltag unterstützt. Doch wechselt das Geschwisterverhältnis ständig zwischen Fürsorge und Abgestoßensein, zwischen Empathie und Nicht-Begreifen-Können. CANIBA reflektiert diese Diskrepanz: Wie kann man sich überhaupt der Psyche und ihrer Untiefen filmisch nähern?
II
In CANIBA porträtieren Véréna Paravel & Lucien Castaing-Taylor den zeitweise zur Kultfigur avancierten Mörder und Kannibalen Issei Sagawa und seinen Bruder Jun. Während sie sprechen, schleicht über weite Teile des Films die Kamera in extremen Close-Ups und mit wechselnder Schärfe die Gesichter und Körper der beiden entlang. Dabei enthält sich der Film einer moralisierenden Position und eröffnet dadurch einen schwer auszuhaltenden Raum der Ambivalenz, in dem die Brüder ihre misogynen Fantasien und (auto)aggressiven Fetische mitunter zelebrieren können. Das Regie-Duo vollzieht ein sinnlich-immersives Beschreiten der Ränder menschlicher Abgründe und keine Analyse der problematischen Verschränkung von gesellschaftlicher Faszination, Personenkult und medialer Vermarktung. Die Einflechtung von Werken der Pop- und Un-derground-Kultur – ein pornografisches Fragment mit Teilen eines Re-Enactments, ein verstörend-expliziter Comic Sagawas, der Song „La Folie“ der New-Wave-Band The Stranglers – dient hier dem Versuch einer alternativen, betont atmosphärischen Annäherung. Nach etlichen Skandalen, reißerischen Reportagen und makabren Kochshow-Auftritten rund um den „Celebrity Kannibalen“, interessiert sich CANIBA vielmehr für Formen von Begreifen und Grenzen von Bildwerdung. Ein kontroverses Stück Film, dessen Blick nicht didaktische, sondern suggestive Qualitäten hat.
We’ll continue our homage to the Sensory Ethnography Lab
Today at Luru Kino. Thanks to all y’all who came around yesterday and thanks to UT Connewitz and Prof. Dr. Ursula Rao. Today we’ll have Simon Rothöhler of Germany’s unbeatenly best film magazine Cargo as a guest to give a lecture on the SEL and introduce the first two films showing today: FOREIGN PARTS and SINGLE STREAM. Rothöhler also contributed a text to our special SEL booklet which you can find here: GEGENkino 2018 SEL booklet—or tonight at Luru Kino. Here’s the schedule and further information:
| Sa 07. April 2018 Luru Kino | HOMMAGE: Sensory Ethnography Lab |
| 20 Uhr | Foreign Parts + Single Stream FOREIGN PARTS (USA/F 2010) R: Véréna Paravel & J.P. Sniadecki 80’ & SINGLE STREAM (USA 2014) R: Pawel Wojtasik, Toby Kim Lee & Ernst Karel 23’ |
| 22 Uhr | J.P. Sniadecki | FOCUS ON CHINA SONGHUA (USA/CHN 2007, DOK, R: J.P. Sniadecki, 28’, DCP, OmeU) YUMEN (USA/CHN 2013, DOK, R: Xu Ruotao, J.P. Sniadecki, Huang Xiang, 65’, DCP, OmeU THE YELLOW BANK (USA/CHN 2010, DOK, R: J.P. Sniadecki, 27’, DCP, OmeU, OV w/ English subtitles |
Einführung von Jun.-Prof. Dr. Simon Rothöhler
FOREIGN PARTS / SINGLE STREAM
FOREIGN PARTS
USA/F 2010 DOK, R: Vèrèna Paravel & J.P. Sniadecki, 80’, DCP, OmeU
Ein Schrottplatz und Ersatzteil-Umschlagpunkt in Queens, New York City: Mikrokosmos einer vorwiegend migrantisch geprägten, so lebhaften wie prekären Großstadtkultur. Dialogfetzen privaten und geschäftlichen Inhalts, Barbecues, puerto-ricanischer Straßengesang, soziales Elend, Alkoholismus und zwischenmenschliche Solidarität. Vèrèna Paravel und J.P. Sniadecki, die jeweils auf unterschiedliche Weise ein Experimental-fi lm-Meisterwerk im SEL-Rahmen drehen sollten, LEVIATHAN (2012) und YUMEN (2013), gehen in FOREIGN PARTS noch cinéma vérité-artige Wege. Die Kamera ist kaum auf ästhetisch durchgebildete Komposition aus, sondern folgt unmittelbar den lose porträtierten ProtagonistInnen beim Nachgehen alltäglicher Verrichtungen: sei es Betteln, Ersatzteile besorgen oder zwischendurch in der Autowerkstatt tanzen. Das Gewerbegebiet „Willets Point“ ist vom Abriss bedroht und damit die Existenz von rund 250 Shops und über 2000 ArbeiterInnen. Residential Units, ein Convention Center und Ähnliches sollen nach Vorstellung der Stadtverwaltung an dessen Stelle treten. Ein ge-sellschaftspolitisch aufgeladener Film, ohne dass er je einen bestimmten Standpunkt forciert: er zeigt nur auf.
SINGLE STREAM
USA 2014 DOK, Paweł Wojtasik, Toby Kim Lee & Ernst Karel, 23’, DCP, OmeU
SINGLE STREAM schwankt stärker zwischen der Schilderung eines spezifi schen Arbeitsalltags und davon abstrahierender, formalästhetischer Studie: Eine Mülltrennungs- und Recyclinganlage bietet Anlass für eine Ästhetisierung des Hässlichen. Far-ben, Formen und Materialoberfl ächen ziehen geis-terhaft durch die Cinemascope-Einstellungen, die Geräuschkulisse ist gleichermaßen eindringlich wie beängstigend.
J.P. Sniadecki | FOCUS ON CHINA
SONGHUA
USA/CHN 2007 DOK, R: J.P. Sniadecki, 28’, DCP, OmeU
YUMEN
USA/CHN 2013 DOK R: Xu Ruotao, J.P. Sniadecki, Huang Xiang, 65’, DCP, OmeU
THE YELLOW BANK
USA/CHN 2010 DOK, R: J.P. Sniadecki, 27’, DCP, OmeU
SONGHUA steht mit seinem Fokus auf das Wechselverhältnis von Mensch und Natur – konkret die Bedeutung des Flusses Songhua für die circa vier Millionen Einwohner Harbins – noch am ehesten in der Tradition des ethnographischen Dokumentarfilms. Lose und flüchtig werden Tourismus, Freizeitaktivitäten, Rendezvous und triviale Alltagsverrichtungen, aber auch die starke Verschmutzung des Gewässers registriert. Ein Fluss steht auch bei THE YELLOW BANK im Zentrum. Die statische, auf einer Fähre positionierte Kamera registriert in langsamer Fahrt während eines verregneten Vormittags die imposante Skyline Shanghais. Das Sujet und seine formale Gestaltung sind denkbar einfach. Doch dann passiert etwas Außergewöhnliches: peu à peu verdunkelt ein Naturphänomen das Großstadtszenario, bis es schließlich in völliger Finsternis angelangt. Beherrschte in THE YELLOW BANK die Natur für kurze Zeit völlig das Geschehen, so geht es in YUMEN um ihre Verwertung. Im Nordwesten Chinas liegt die ehemals lebhafte Industriestadt Yumen. Früher ein wichtiger Ölförderspot, heute eine verlassene und ruinöse Geisterstadt. Die eng kadrierten 16mm-Bilder, die selbst ihre angegriffene Materialität und Vergänglichkeit zur Schau stellen, erfassen gleichermaßen das schäbige Innere früherer Fabriken und Repräsentationsbauten, wie einzelne Personen, die sich geisterhaft durch diese bewegen.
